Sommer, Sonne, Festivalzeit! Und für Stephan und Anna vom NIC-Team heißt es traditionell: Zeit für das Burning Q-Festival! Die Vorbereitungen im Hintergrund sind im vollen Gange und der Veranstalter „Burning Q Project e.V.“ verkündet auch in diesem Jahr wieder Großes:

„14. Burning Q Festival – Drei Tage Metal und Camping in Freißenbüttel
! AUSVERKAUFT !

Das Burning Q Festival geht in die nächste Runde und lädt zur 14. Ausgabe des alljährlichen Metalspektakels ein! Vom 23. bis 25. Juli 2026 wird der Acker in Freißenbüttel wieder zum ultimativen Pilgerort für Metalfans und Liebhaber ausgelassener Feierkultur.

Nach der ausverkauften Show im vergangenen Jahr legen wir dieses Mal noch eine Schippe drauf:

Wir erwarten 34 Bands aus Ländern wie Kanada, Dänemark, Polen, den USA, Deutschland, Schweden, Griechenland, Schweiz, Türkei, Island. Sie bringen eine breite Palette verschiedenster Metal-Genres auf unsere Bühne und sorgen für internationales Flair im beschaulichen Freißenbüttel.

Wie gewohnt treten die Bands auf zwei Bühnen im Wechsel auf, sodass niemand Kompromisse bei den Live-Performances eingehen muss. Abwechselnd werden sowohl die große Open-Air-Bühne als auch die Zeltbühne bespielt. Das Zelt öffnet in diesem Jahr bereits am Donnerstagabend und sorgt damit für einen angenehmen Start für die Frühankommer. Für diesen Abend wird eine limitierte Anzahl an Karten zur Verfügung stehen.

Für 400 Anreisende öffnet der Campingplatz bereits am Donnerstag um 15:00 Uhr, um Gästen mit längerer Anfahrt eine entspannte Ankunft zu ermöglichen. Die Tickets für Early Camping inklusive Warm-Up-Party sind für 10,00 € online erhältlich.

Neben dem musikalischen Abriss erwartet euch natürlich wieder das volle Programm:

• Entspannung pur: Startet den Tag mit einer Runde Metal Yoga.
• Kulinarik: Wir versorgen euch zu fairen Preisen mit einer großen Auswahl an Speisen (natürlich auch vegan und vegetarisch).
• Late Night: Die legendäre After-Show-Party im Zelt lässt die Nächte lang werden.

Hinter dem Burning Q steht ein Team aus ca. 200 ehrenamtlichen Helfern, die das Festival als Verein mit unendlicher Leidenschaft organisieren. Auch ohne unsere Sponsoren wäre dies nicht möglich – danke für eure Unterstützung!

Wir sehen uns im Juli – laut, hart und direkt auf dem Acker beim Burning Q Festival Folge 14!“

Datum:

Donnerstag, 23.07.2026 // Freitag, 24.07.2026 // Samstag, 25.07.2026

Einlass und Programm:

Donnerstag, 23.07.2026:
Anreise ab 12:00 Uhr // Einlass ab 17:00 Uhr // Tent Stage und Party 17:20 – 00:00 Uhr

Freitag, 24.07.2026:
Anreise ab 10:00 – 22:00 Uhr // Einlass ab 11:45 Uhr // Mucke ab 12:00 Uhr //Aftershowparty ab 01:30 Uhr

Samstag, 25.07.2026:
Anreise ab 10:00 – 22:00 Uhr // Einlass ab 11:45 Uhr // Mucke ab 12:00 Uhr //
Aftershowparty ab 01:00 Uhr // Metal Yoga um 10:30 //Freies Feuer nach Steelpreacher

Veranstaltungsort:

Gelände beim Vereinsheims des SV Arminia Freißenbüttel in Freißenbüttel zwischen Bremen und Bremerhaven.

Adresse: Heimelberg 15, 27711 Osterholz-Scharmbeck

Park- und Stellplätze sind in Festivalnähe vorhanden.

Line-Up

Donnerstag, 23.07.2026

FOR VICTORY, FROSTSHOCK, HUMAN PREY, SYNDEMIC, WARFIELD

Freitag, 24.07.2026

AMBUSH, AQUILLA, ENDSEEKER, EXORCISM, GRAVE DIGGER, IMMOLATION, LAMP OF MURMUUR, MORIBUND OBLIVION, NEPHYLIM, PHANTOM SPELL, RIOT CITY, SERVANT, SUNKEN, TRAKTAT, TYRANTHROPE

Samstag, 25.07.2026

ATLANTEAN KODEX, THE CHAINSAW DEMONS, DAMNATION DEFACED, DIABOLISCHES WERK, KNIFE, LUCIFER’S CHILD, MEGATON SWORD, NAILED TO OBSCURITY, NEXION, RANĂ, SPECTRAL WOUND, STEELPREACHER, THE HAUNTED, TÜRBÖWITCH, TYRANEX

Tickets

Die Tickets für 2026 sind restlos ausverkauft und es wird keine Abendkasse geben.

Weitere Infos

www.burningq.de // www.facebook.com/BurningQProject // https://www.instagram.com/burning_q_festival/?hl=de

Veranstalter ist der Verein Burning Q Project e.V. – gemeinnütziger Verein zur Förderung der musikalischen Kunst, vor allem im Bereich von Metal- und Rockmusik in Norddeutschland. Alle Helfer und Veranstalter arbeiten ehrenamtlich. Der Erlös der Veranstaltung fließt zu 100 Prozent in die Produktion des Folgejahres ein.

Der Beitrag 14. Burning Q Festival – Drei Tage Metal und Camping in Freißenbüttel (Ausverkauft!) erschien zuerst auf Nordmensch-in-Concerts.

Moin Jungs, da sind wir nun und haben endlich die Zeit gefunden, um ein wenig miteinander zu schnacken. Was soll man sagen: Plötzlich wart Ihr da, wie Phoenix aus der Asche. Stellt Euch doch bitte unseren Lesern kurz vor:

Hallo, wir sind Chris (Drums), Miguel (Bass), Marc (Gesang) und Ozzy (Gitarre) von Feed The Sickness aus Hamburg. Vielen Dank für die Möglichkeit, ein bisschen was von uns erzählen zu dürfen.

Erzählt mal: Wie habt Ihr einzelnen Musiker zusammengefunden, wie kam es letztendlich zur Gründung der Band und seit wann gibt es Feed The Sickness?

In 2020 habe ich (Marc) als Gitarrist in meinem Soloprojekt entdeckt, dass ich auch eine Stimme habe. Um das aber fachlich zu untermauern, habe ich noch einige Schleifen mit einem Vocal-Coach gedreht. In 2024 war ich dann so weit und der fertig gebackene Sänger suchte sich weitere Weggefährten. Nach kurzer Zeit stieß Miguel dazu. Gefunden hatten wir uns über die Website Backstagepro und nun glättet er den Sound sowie die Wogen in der Band. Der Kern unserer Orga und unserer Präsentation online entspringt seiner Feder.

Über dieselbe Website kam als nächstes Ozzy zur Vorstellungsrunde, sah alles, was er sehen wollte und ergänzte perfekt mit seinem Stil Songs zu schreiben und seiner Bühnenpräsenz als Metal-Gitarrist. Außerdem hat er nun einen weiteren guten Grund, sich mit den neuesten technischen Raffinessen einzudecken, denn sobald es zu ernsten Aufnahmen kommt, sei es eine Demo oder unser gesamtes Debüt-Album, hat Ozzy die Zügel in der Hand.

Kurz darauf brauchten wir dann einen neuen Drummer. Chris wurde als alter Bekannter von Ozzy vorgeschlagen und hat mit seinen Skills als Drummer und seinem Riesenherz alle komplett vom Stuhl gehauen. Ohne seine unbändige kreative Energie würde es bei uns schnell langweilig sein und außerdem ist er als Tontechniker zum größten Teil für den Erfolg unserer Live-Show verantwortlich.

Die Band, so wie sie jetzt ist, gibt es seit September 2025. Also nicht einmal ein komplettes Jahr ist seither vergangen, aber umso mehr ist passiert. Erste Gigs, erstes Album, viele spannende Pläne und Ideen und nun auch unser erstes Interview!

Und wie seid Ihr auf den Bandnamen gekommen?

Die Idee zu dem Namen kam von mir (Marc). ich habe in meinen Lyrics zu den Songs Erfahrungen verarbeitet, solche, die eigentlich fast jeder in sich trägt, und habe dafür einen Oberbegriff und eine Umschreibung gesucht und dabei stieß ich auf den Bandnamen.

Ihr bezeichnet Euren Musikstil als „Joker Metal“. Was kann sich der Leser darunter vorstellen?

Grundlegend wollen wir uns nicht in eine Schublade stecken lassen, sondern Musik machen, die uns gefällt. Das Sinnbild des “Joker”, bzw Narren bietet sich hier perfekt an, denn selbst ein König hat manchmal das Bedürfnis, die gefährliche Wahrheit zu hören. Wir möchten uns selbst und andere daran erinnern, dass es immer noch OK ist, gegen den Strom zu schwimmen.

Um das aber Mal in einem Genre genauer zu definieren, würden wir sagen eine Portion Post-Nu-Metal, gemischt mit Prog Metal …und ein bisschen Schwarzer Humor.

Thematisch seid Ihr in Euren Songs wie unterwegs?

Überall! Jeder von uns hatte ein turbulentes Leben und Themen, die man verarbeiten muss. Von toxischen Beziehungen, Kampf gegen Depressionen bis hin zu Scham, weil man das geworden ist, was man gerne hart verurteilt, und dass in das traditionelle Bild einer “normalen“ Person nicht reinpasst.

Und dass alles am Ende gut sein wird, weil wir auch das Positive gerne sehen und nicht nur mies gucken, weil der Breakdown noch langsamer geworden ist. So halt.

Als ich mich vor einigen Wochen mit Euch näher befasste und ein wenig recherchierte, war ich gleich wieder zurückversetzt in die 90er Jahre. Die Zeiten von Alternative und Nu Metal. Gleichzeitig fragte ich mich, funktionieren diese Genres heute noch? Gibt es da noch genug Zuspruch? Wie seht Ihr das? Kommen diese Zeiten wieder zurück?

Definitiv. Retro is in.

Wir sind alle aufgewachsen mit Korn, Limp Bizkit, Disturbed, Godsmack usw. und das hört man in unserer Musik. Mit so vielen Bands heutzutage, die versuchen einen noch langsameren Breakdown zu liefern als Lorna Shore, ist Nu Metal ein frischer Wind aus der Vergangenheit. Mit Bands wie z.B. Tetrarch, die gerade die Welt des Nu Metals erobern, merkt man schon den Wiederaufstieg.

Am 29.05.2026 gab es eine Release-Party in „Maria´s Ballroom“ in Hamburg-Harburg. Grund dafür war die Veröffentlichung Eures Debut-Albums „Moments“. Erzählt von diesem Abend, wie war die Resonanz?

Besser als erwartet, um ehrlich zu sein. Wir sind zwar Musiker und wollen viel schaffen, aber wir wissen das wir noch eine Baby-Band sind und dementsprechend hatten wir wenig an Erwartung. Wir wurden aber sehr überrascht mit der Reaktion vom Publikum und dem Support, den wir an diesem Abend erhalten haben.

Unsere Musik ist definitiv nicht Jedermanns Sache, aber die Leute haben tatsächlich mitgesungen und beim letzten Song gab es auch einen kleinen Circle Pit.

UND eine Autogrammstunde gabs auch … für uns ein großer Meilenstein und eine noch größere Ehre.

Wo seht Ihr Euch zukünftig bzw. was wünscht Ihr Euch als Band für die Zukunft? Ich weiß, eine oft gestellte Frage bei Interviews, aber mich interessiert das immer ungemein. Gibt es da Zukunftsvisionen? Wird es eher ein lockeres Projekt sein oder habt Ihr euch mehr vorgenommen?

Wir gehen mit, sagen wir mal so. Klar sind Ambitionen vorhanden, große Bühnen zu bespielen, aber für uns ist es auch sehr wichtig, weiterhin Spaß zu haben und weiterhin Musik zu produzieren, die wir geil finden und hoffentlich auch da draußen jemandem helfen, durch den Alltag zu kommen. Weil das ist ja auch das, was unsere Vorbilder immer für uns getan haben, uns zu helfen, durch diese manchmal recht beschissene Welt zu gehen, uns Kraft zu geben, als wir dachten, wir wären schwach und verloren.

Abschließend interessiert unsere Leser sicherlich, wo man Euch in diesem Jahr oder auch kommenden Jahr live erleben kann.

Zurzeit gibt es noch zwei Termine in diesem Jahr:

• 18.07.2026 im MarX (Markthalle)
• 05.12.2026 im Marias Ballroom.

Das Jahr ist aber noch lange nicht vorbei und das Album ist gerade frisch raus … wer weiß wo wir uns noch sehen.

Ich für meinen Teil danke Euch abschließend für Eure Zeit. Ihr seid eine super sympathische Band, von der man hoffentlich zukünftig noch einiges sieht bzw. hört. Ich denke, wir werden uns auf jeden Fall noch hier oder da sehen und dann gibt es natürlich auch Fotos als Erinnerung von mir. Bis dahin !

Der Beitrag FEED THE SICKNESS im Interview erschien zuerst auf Nordmensch-in-Concerts.

Es gibt etwas zu Feiern: In diesem Jahr, genauer gesagt am 28.08. und 29.08.2026, findet das NOAF zum 20. Mal statt! Zwar wurde das erste NOAF, damals noch mit vergleichsweise bescheidenen 500 Besuchern, bereits 2005 aus der Biertaufe gehoben, aber durch pandemiebedingte Ausfälle findet die Jubiläumsedition nun eben im Jahr 2026 statt. Und das mit einem LineUp, das sich sehen lassen kann: Die britische Heavy Metal-Institution SAXON hätte bereits im vergangenen Jahr spielen sollen, musste dann aber wegen Sänger Biffs Krebserkrankung kurzfristig absagen – umso erfreulicher, dass sie diesem Jahr dabei sein werden!

Die Waliser Crossover-Kapelle SKINDRED beehrte unser aller Lieblings-Festival im Herzen Rheinhessens bereits 2023, aber auch dieses Jahr darf man sich wieder bei dem energiegeladenen Mischmasch aus Metal, Ska und Rap die Seele aus dem Leib hüpfen.

Persönlich freuen wir uns am meisten auf die deutschen Power Metaller GRAVE DIGGER, die anlässlich des runden Geburtstags ihrer Überplatte „Tunes of War“ angekündigt haben, eben dieses Album komplett zu spielen – man darf sich aber bestimmt auch auf ein paar andere Klassiker sowie neueres Material freuen.

Außerdem am Start sind Bands wie GRAND MAGUS, CHAPEL OF DISEASE und NERVOSA (komplettes Lineup siehe unten oder auf der Festival-Homepage).

Darüber hinaus gibt es am Donnerstag, den 27.08.2026, die traditionelle Warm-Up-Party, diesmal mit gleich drei Coverbands: SUBLIMINAL VERSES (Slipknot), MOTHERSHIP (Led Zeppilin) und BATTLE AGAINST THE EMPIRE (dreimal darf man raten…). Der Eintritt donnerstags ist unabhängig vom Rest des Festivals, man kann also nur für die geballte Ladung Coverbands kommen und wieder heimfahren, natürlich kann man aber auch ab Donnerstag schon campen (mit Campingticket).

Karten gibt es im NOAF-Ticketshop. Das ganze Wochenende inklusive Camping kostet 105 Euro, ohne Camping 95 Euro, Tageskarten 65 Euro und der Donnerstag unabhängig von der Wochenendkarte 10 Euro. Über die Verpflegungspreise ist im Vorfeld nichts bekannt, aber es ist davon auszugehen, dass z.B. 400ml köstlichkühlen Karlsberg-Bieres weiterhin für stabile 4 Euro über den Tresen wandern. Neben Bier gibt es selbstverfreilich auch noch eine große Auswahl anderer Getränke mit und ohne Alkohol, außerdem muss man dank Leckereien wie Käsespätzle, Schwenksteak oder veganem Linsencurry auch nicht hungrig bleiben.

Außerdem gibt es eine kleine Merch-Meile -neben dem NOAF-eigenen Merchzelt auch Stände mit Tonträgern, T-Shirts, Patches und allerlei anderen Devotionalien. Und wer eine Abkühlung braucht oder sich einfach mal den Schweiß aus den Locken wringen will, erhält mit dem Wochenendbändchen freien Eintritt ins wenige Minuten Fußmarsch entfernte Neuborn-Bad – also Badezeuch nicht vergessen!

Parken am Zelt ist leider nicht, man darf aber zum Ausladen am Zeltplatz anhalten, und so weit weg sind die Parkplätze nun auch nicht (600m). Außerdem gibt es Caravanstellplätze (für Wohnmobile, Wohnanhänger und Dachzelte – Matratze im Kombi langt leider nicht). Wer mit dem ÖPNV anreisen will, kann dieses auch völlig stressfrei tun: Vom Hauptbahnhof Mainz oder aus Alzey fährt alle halbe Stunde ein Zug nach Wörrstadt, wo am Bahnhof ein Shuttle im Pendelverkehr zum Festivalgelände verkehrt – also meist wartet das Shuttle schon auf euch, wenn der Zug ankommt. Vom Zeltplatz läuft man übrigens etwa fünf bis zehn Minuten zum Infield.

Weitere Infos auf der offiziellen NOAF-Seite.

Der Beitrag NOAF Neuborn Open Air 2026 – Die 20. Auflage steht in den Startlöchern erschien zuerst auf Nordmensch-in-Concerts.

Seit 2003 findet jedes Jahr zu Pfingsten im Amphitheater Gelsenkirchen das Rock Hard Festival statt. Die Veranstaltung hat sich nicht nur durch das tolle Gelände einen guten Namen gemacht, welches reichlich Sitzplätze und von überall gute Sicht auf die Bühne und den sich dahinter befindenden Rhein-Herne-Kanal bietet, sondern vor allem durch das stets handverlesene Programm. Neben wirklich großen Namen bekommt man hier auch exklusive Shows von Bands zu sehen, die nicht an jeder Steckdose spielen. Löblicherweise wird zudem viel Wert auf Nachwuchsförderung gelegt. Da mir auch in diesem Jahr das Line-Up sehr gut gefiel, war ich natürlich wieder am Start. Im Gegensatz zum Vorjahr, als man permanent vor den Regenmassen flüchten musste, spielte diesmal auch das Wetter mit.

Freitag, 22.05.2026

Die unter dem Motto „New Kids In The Pott“ das Festival eröffnenden Newcomer-Bands, welche von mehreren Jurys ausgewählt wurden, habe ich aufgrund der längeren Anreise leider verpasst. Laut diverser Augen- und Ohrenzeugen lieferten alle drei Kapellen amtlich ab. Während ich nach der völlig reibungslosen Abwicklung der Einlassformalitäten und dem Erwerb eines überteuerten Kaltgetränkes das Festivalgelände betrat, wunderte ich mich zunächst über die relativ überschaubare Zuschauermenge. Sicherlich suchten etliche Leute schattige Plätzchen, um sich vor der gnadenlos ballernden Sonne zu schützen, aber irgendwie ist man hier deutlich mehr feierwütiges Volk gewöhnt.

Auf der Bühne mühten sich gerade die niederländischen Neckbreakker ab, welche mit ihrem Metal-Core-angelehnten Death Metal nicht so ganz meinen Geschmack trafen, handwerklich aber eine erstklassige Leistung ablieferten und das Publikum mit ihrer sympathischen Art mitrissen.

Im Anschluss stand mit Angel Witch eine echte Legende auf der Bühne, auf die ich mich richtig gefreut hatte. Das britische Kult-Quartett spielte natürlich hauptsächlich Material vom selbstbetitelten Debüt-Album, streute aber zwischendurch Songs von den folgenden Scheiben ein, was die Stimmung jeweils deutlich drückte. Am Sound gab es absolut nichts auszusetzen, und bei der abschließenden Bandhymne „Angel Witch“ sang wie erwartet jeder Anwesende lauthals mit.

Nachdem in der Umbaupause einige Bekannte begrüßt wurden, ging es mit den Schweizern von Coroner weiter. Die vier Herren stiegen mit den ersten beiden Songs ihres gefeierten Comeback-Albums „Dissonance Theory“ in ihr einstündiges Set ein und sorgten für zahlreiche glückliche Gesichter. Die größten Resonanzen erzielten jedoch die Klassiker wie „Masked Jackal“, „Semtex Revolution“ oder das abschließende „Die By My Hand“. Etwas mehr Bewegung auf der Bühne hätte der Show sicher nicht geschadet, aber bei den technischen Kabinettstückchen, welche Coroner an ihren Instrumenten abzogen, ist dies eher schwierig umzusetzen. Der Platz vor der Bühne war jedenfalls gut gefüllt und über mangelnden Beifall konnten sich die introvertierten Musiker nicht beschweren. Der abschließende Satz von Sänger/Bassist Ron Broder „Viel Spaß mit Amon Amarth!“ sorgte aber für einige irritierte Blicke.

Zum Glück enterten nach einer kurzen Umbaupause nicht die schwedischen Klamauk-Wikinger die Bühne, sondern die von allen erwartete US-Metal-Legende Armored Saint. Und die legte los wie die Feuerwehr. Vor allem Sänger John Bush, der eine überragende stimmliche Leistung bot und Bassist Joey Vera waren ständig in Bewegung und feuerten das eh schon mächtig abfeiernde Publikum noch zusätzlich an. Beim an zweiter Stelle platzierten Klassiker „March Of The Saint“ hatte ich fast die Befürchtung, dass die lautstarken Mitsing-Chöre das Amphitheater zum Einstürzen bringen. Die unbeschreibliche Stimmung flachte bis zum Ende des 90minütigen Gigs, in dem u.a. noch Granaten wie „Reign Of Fire“ und „Can U Deliver“ kredenzt wurden, kein bisschen ab. Besonders euphorisch reagierte die Meute zudem darauf, dass Bush den Klassiker „Aftermath“ mitten im Pulk vor der Bühne stehend präsentierte. Sehr sympathisch und die Krönung einer erstklassigen Headliner-Show.

Samstag, 23.05.2026

Der Samstag begann für mich mit den britischen Wytch Hazel, welche vor deutlich größerer Kulisse als die Bands am Vortag aufspielten. Da ich mich mit dem Material der in fragwürdige Kostüme gehüllten Jungs kaum auskenne, kann ich nichts über die Setlist berichten. Den Ansagen des sehr sympathischen Sängers/Gitarristen Colin Hendra zufolge kamen wohl Songs aller bisherigen Alben zum Zuge. Der sehr eingängige Hardrock/Melodic Metal wurde sehr entspannt und authentisch runtergezockt, sodass das Quartett mit wohlverdienten „Zugabe!“-Rufen verabschiedet wurde.

Im Anschluss waren die schwedischen Echt-Metaller Ambush an der Reihe. Und auch die können sich über die Publikumsresonanzen kaum beschweren. Die Band sprühte vor guter Laune, was sich sofort auf das Auditorium übertrug. Sänger Oscar Jakobsson, dessen hohes Organ für meine Ohren stellenweise etwas anstrengend war, sprintete ohne Pause mit einem Grinsen im Gesicht über die Bühne und auch K.K. Downing-Lookalike Olof Engqvist war ständig in Bewegung. Drummer Linus Fritzson zeigte sich wie üblich als Coolness in Person und hielt die ganze Sache mit seinem fetten Groove zusammen. Zum Ende hin wirkte das Songmaterial etwas gleichförmig, dennoch können Ambush den Gig als durchaus gelungen abhaken.

Den folgenden Hällas-Auftritt nutzte ich zur Nahrungsaufnahme. So richtig Spaß machte dies aber nicht, da das Preis/Leistungs-Verhältnis stellenweise als Frechheit bezeichnet werden muss. Billig-Bratwurst vom Discounter inkl. Gummibrötchen für 5,-€ oder fettiges Pulled Pork mit einer Mini-Portion Barbecue-Soße für 12,-€ sind meiner Meinung nach völlige Abzocke. Leider wird sich daran – genau wie an den zu hohen Getränkepreisen – wohl nichts mehr ändern.

Weiter ging´s mit Old-School-Thrash vom Feinsten. Nach einer überschwänglichen Ansage von ex-Sodomist Andy Brings stürmte die Kult-Combo Hirax die Bühne und brachte mit „Hellion Rising“ und „Blind Faith“ die zahlreich versammelten Mosher ordentlich in Wallung. Blickfang war natürlich Frontmann und Obersympath Katon W. De Pena, der ständig von einer Ecke zur anderen rannte und dessen Mimik einfach unbeschreiblich ist. Das sollte man unbedingt selbst erlebt haben. Gefällt mir sein eher schrilles Organ auf den Alben nicht besonders, kommt das Ganze live jedoch ziemlich genial rüber. Der Rest von Hirax besteht zwar mittlerweile ausschließlich aus Jungspunden, die jedoch eine showmäßige und vor allem spieltechnische Leistung ablieferten, als wären sie schon immer Teil der Band. Beim abschließenden Klassiker „Bombs Of Death“ durfte sich der bereits erwähnte Herr Brings die Gitarre umschnallen und ordentlich mitriffen. Nach diesem zünftigen Abriss trieb es mich erstmal zum Getränkestand, um den aufgeheizten Kadaver wieder etwas abzukühlen.

Pünktlich zum heißerwarteten Slime-Auftritt stand ich wieder vor der Bühne und muss leider sagen, dass dies der erste Gig der Band war, der mich nicht so richtig überzeugen konnte. Ich komme einfach nicht mit der Stimme des neuen Sängers Tex Brasket klar. Zu den Songs der letzten beiden Alben – die übrigens überhaupt nicht mein Fall sind – mag seine Stimme ja passen, aber bei Klassikern wie „Alle gegen alle“, „Alptraum“ und vor allem „Schweineherbst“ vermisste ich einfach Originalsänger Dirk, der eine ganz eigene Ausstrahlung besitzt. Insgesamt kommt Brasket sehr sympathisch rüber, und er weiß definitiv, wie man ein großes Publikum unterhält, aber ich verbinde mit Slime irgendwie etwas anderes. Dafür kann die Band natürlich nichts, die eine tadellose Leistung ablieferte und dafür auch ordentlich abgefeiert wurde. Bei den abschließenden Klassikern „Linke Spießer“, „Störtebeker“ und dem textlich den Nagel auf den Kopf treffendem „Religion“ musste dann sogar ich lauthals mitbrüllen. Hoffentlich hat´s keiner gesehen…

Auf die folgenden Dark Tranquillity freute ich mich ebenfalls sehr, da ich die Schweden noch nie in schlechter Form erlebt habe. Dies sollte sich mit ihrer Co-Headliner-Show glücklicherweise auch nicht ändern. Nach kurzem Intro-Geplänkel ging es mit „The Wonders At Your Feet“ auch direkt in die Vollen. Die beiden Gitarristen Johan Reinholdz und Peter Lyse Karmak waren von Anfang an ständig am Bangen und nutzten die gesamte Bühnenfläche, leisteten sich dabei jedoch keinerlei Spielfehler. Auch der permanent zu Scherzen aufgelegte Fronter Mikael Stanne stand kaum eine Sekunde still und war zudem bestens bei Stimme. Sorgen konnte einem nur dessen hochroter Kopf bereiten, der aussah, als sei er kurz vorm Explodieren. Kein Wunder bei der Hitze. Der Sound war übrigens wie bei fast allen Bands des Festivals erste Sahne.  Im Laufe des gut durchgemixten Sets wurden Songs wie „Nothing To No One“ oder „Cathode Ray Sunshine“ präsentiert und beim Abschluss-Trio – bestehend aus „Lost To Apathy“, „Therein“ und „Misery´s Crown“ – gingen nochmal alle steil. Klasse Gig!

Paradise Lost-Shows sind irgendwie immer ein Glücksspiel. Erwischen die Herren einen guten Tag, wird man mit einem durchweg mitreißenden Auftritt belohnt. Bei schlechter Verfassung kann es schon mal passieren, dass der Zuschauer vor Langeweile einpennt. Davon konnte beim erstklassigen Headliner-Set am Pfingstsamstag jedoch absolut nicht die Rede sein. Frontmann Nick Holmes war gut bei Stimme – wenn man von einigen Wacklern in den hohen Parts einmal absieht – und bestens gelaunt, was sich auch auf das zahlreich anwesende Volk übertrug. Gitarrist Greg Mackintosh wirkte ebenfalls etwas gesünder als auf der Tour Anfang des Jahres. Egal, ob die Herren bei glasklarem Sound einen Song vom aktuellen Album „Ascension“ oder Klassiker wie „Embers Fire“, „As I Die“ und mein Highlight „Gothic“ präsentierten: Das Publikum feierte alles gnadenlos ab und war genau wie ich ziemlich überrascht, als die Herren knappe zehn Minuten zu früh und ohne Zugabe ihren Gig beendeten. Ein großartiger Abschluss des zweiten Tages war es trotzdem.

Sonntag, 24.05.2026

Als ich das Festivalgelände betrat, waren ex-Ozzy-Klampfer Gus G. und Hans-Dampf-in-allen-Gassen Ronnie Romero bereits mitten in ihrem Set und feuerten eine astreine Version des Black Sabbath-Klassikers „The Mob Rules“ ins zahlreich anwesende Volk. Nach kurzer Begrüßung einiger Kollegen und Bekannter – die allesamt nicht mehr sonderlich frisch aussahen – widmete ich mich dem Geschehen auf der Bühne. Man mag von zusammengestellten Formationen, die vorwiegend Coverversionen spielen, halten was man will, aber das Programm, welches das Quartett hier bot, machte großen Spaß! Neben einigen eigenen Songs gab es u.a. noch Deep Purple´s „Highway Star“ sowie die beiden mit lauten „Ozzy! Ozzy!“-Rufen quittierten „Bark At The Moon“ und „War Pigs“. Alles natürlich erstklassig dargeboten. Da schmeckte das erste Veltins des Tages gleich noch viel besser!

Als Nächstes gab´s okkulten Siebzigerjahre-Hardrock. Zumindest passt diese Beschreibung ganz gut zum Bandnamen Lucifer. Außerdem erinnert mich ein Großteil der Songs sehr an alte Black Sabbath-Sachen. Natürlich klingt die Stimme der aus Berlin stammenden Frontdame Johanna Platow nicht nach Ozzy, was ich aber gar nicht so schlecht fände, da der Gesang für mich auf Dauer der Schwachpunkt war. Da hätte ich mir etwas mehr Power á la Francis Tobolsky (Wucan) oder Raven Van Dorst (Dool) gewünscht. Durchweg begeistert hat mich dagegen Bassistin Claudia González Diaz, die sowohl vom Auftreten als auch beim Spielen ganz oft an ex-Deep Purple-Basser Glenn Hughes erinnerte. Die Dame hatte sichtlich Spaß auf der Bühne. Das trifft wohl auch auf Drummer Kevin Kuhn zu, dessen Mimik stellenweise jedoch etwas übertrieben wirkte. Zum Ende des insgesamt recht gelungenen Gigs wurde es im Publikum deutlich ruhiger, was aber auch an den ziemlich schlauchenden Temperaturen gelegen haben könnte.

Uli Jon Roth kennen die meisten wohl als ehemaligen Scorpions-Gitarristen, und so ist es auch kein Wunder, dass der heutige Auftritt ganz im Zeichen des Klassikers „Virgin Killer“ (1977) steht, welches nahezu komplett aufgeführt wird. Die Leute haben offensichtlich Bock auf den Gig, denn Klassiker wie das eröffnende „Pictured Life“ oder „Catch Your Train“ werden vom Großteil lauthals mitgesungen. Blickfang ist natürlich der sympathische Meister höchstselbst, der seine Gitarren mit einem nahezu einzigartigen Feeling bearbeitet. Der Rest der Truppe wusste aber nicht weniger zu begeistern, allen voran Niklas Turmann, der bereits bei älteren Roth-Gigs mit Scorpions-Schwerpunkt Gesang und Bass übernahm und dabei eine wirklich gute Figur machte. Als Rausschmeißer gab es eine von Uli selbst gesungene Version von Hendrix´ „All Along The Watchtower“, welche zwar nicht so ganz ins Konzept passte und stimmungsmäßig nicht mit dem zuvor gespielten Scorpions-Überklassiker „In Trance“ mithalten konnte, aber trotzdem unter lautstarken „Zugabe!“-Rufen ins Ziel gebracht wurde.

Und weiter ging´s mit der nächsten Covertruppe. Natürlich hat ex-Motörhead-Drummer Mikkey Dee alles Recht der Welt, das Erbe seiner ex-Band weiterzutragen, aber ob das die Co-Headliner-Position eines großen Festivals rechtfertigt? Vom Publikumsandrang ausgehend definitiv, da das Amphitheater mehr als an den bisherigen Tagen gefüllt war. Es besteht also noch immer große Nachfrage nach den Motörhead-Klassikern. Und diese wurden nach einer kurzen Rede vom Bandchef, in der er klarstellte, dass man auf keinen Fall als reiner Motörhead-Klon rüberkommen wolle, reichlich präsentiert. Los ging´s mit dem Kracher „Love Me Like A Reptile“, gefolgt von „Iron Fist“. Spielerisch war das wie zu erwarten auf Topp-Niveau, nur die Stimme von Viktor Skatt, der zudem den Bass bediente, hatte so gar nichts von Lemmy, was einerseits für die Eigenständigkeit spricht, andererseits aber kaum mit den Songs harmonierte. Zudem setzte der Gute Outfit-technisch völlig auf die Kilmister-Karte, was irgendwie nicht zusammenpasste. Dem feiernden Volk war das aber egal, und so wurden Songs wie „Snaggletooth“, „Orgasmatron“, „Killed By Death“ und natürlich die unvermeidlichen Rausschmeißer „Ace Of Spades“ und „Overkill“ mit tosendem Applaus honoriert.

Dann war es auch schon an der Zeit für den heutigen Headliner. Obwohl sich Saxon bereits mehrfach an Ort und Stelle die Ehre gaben, legten die Herren erneut eine Show hin, die so ziemlich jeden im rappelvollen Amphitheater begeistert haben dürfte. Die Herren um Frontmann Biff Byford, der nach seiner Krebs-OP erstaunlich fit war, wissen einfach, wie´s geht. Wie bereits auf der letzten Tour startete man mit dem Titelsong des aktuellen Albums, brachte im Anschluss aber ausschließlich Klassiker, welche die Stimmung fast durchweg am Kochen hielten. Was soll bei Granaten wie „Power & The Glory“, „Heavy Metal Thunder“, „Motorcycle Man“, „Wheels Of Steel“ oder „Crusader“ auch schiefgehen? Wie üblich landeten wieder etliche Kutten auf der Bühne, die von den Bandmitgliedern getragen und signiert wurden. Einer der absoluten Höhepunkte des Sets war der Gastauftritt von Uli Jon Roth bei „Denim And Leather“, der sich ein paar coole Soloduelle mit den beiden Saxon-Klampfern Doug Scarratt und Brian Tatler lieferte. Der Sound, für den übrigens Jacky Lehmann verantwortlich zeichnete, war während der gesamten neunzig Minuten glasklar und druckvoll und so ging mit „Princess Of The Night“ der für mich beste Auftritt des Festivals zu Ende.

Fazit: Auch die diesjährige Ausgabe des Rock Hard Festivals war aus meiner Sicht wieder ein voller Erfolg. Alle von mir gesehenen Bands lieferten gute bis herausragende Auftritte ab und wurden zu Recht vom entspannten, aber trotzdem partywütigen Publikum gefeiert. Sämtliches Personal – vor allem die Security – war stets freundlich und hilfsbereit, sodass man sich im Amphitheater rundum wohlfühlen konnte. Nächstes Jahr bin ich mit Sicherheit wieder dabei und sehr gespannt, wie das Billing aussehen wird. Wer bisher noch nie auf dem Rock Hard Festival war, sollte dies unbedingt einmal in Betracht ziehen. Es lohnt sich!

Ein besonders großes Dankeschön geht übrigens an Sascha Gläser von Yeah Records in Essen, ohne den das Wochenende deutlich stressiger verlaufen wäre!

PhotoCredits / Berichterstattung: René Jauernik

Der Beitrag Rock Hard Festival 2026 – Ein Rock- und Metal-Pot(t)pourrie vom Feinsten (22.05.-24.05.2026) erschien zuerst auf Nordmensch-in-Concerts.

Für  IMPARITY beginnt ein neues Kapitel: Der schmerzhafte Verlust ihres Bassisten Greg hat tiefe Spuren hinterlassen. Doch wie Phönix aus der Asche richtet sich die Band neu aus. Mit dem Einstieg von Bassist Christian, der mit seinem eigenen Stil und frischen Impulsen neue Akzente setzt, entsteht aus Trauer und Umbruch neue kreative Energie – hörbar auf der aktuellen EP „City of Broken Dreams“.

Hallo und erstmal herzlichen Glückwunsch zu „City of Broken Dreams“! Wie geht es euch gerade?

Der Beitrag IMPARITY – Aus Schmerz erwächst ein neues Kapitel erschien zuerst auf Nordmensch-in-Concerts.

Jeder, der Musik fühlt, kennt es; da ist dieser eine Song, der dich eiskalt erwischt, völlig überraschend eine Gänsehaut beschert und etwas in dir erweckt, von dem du nicht einmal wusstest, dass es das gibt. Du wirst süchtig nach dem Song, hörst das komplette Album und schließt es direkt in dein Herz.
Genau um diese Alben soll es in unserem Special gehen, denn auch wenn wir gemeinsam mit den Alben altern, so bleiben die Erinnerungen daran ewig jung. René , Olivia und Radu erzählen euch Geschichten, welche Alben ihre Welt komplett auf den Kopf gestellt haben. Vorhang auf für unsere persönliche Reise durch das Leben und die Musik.

Zum Abschlus der Reihe, heißt euch Radu willkommen in seinem Kopf und seiner Gefühlswelt.

Nightingale – „The Breathing Shadow“

Manche Alben haben einen direkten Einfluss auf eine Situation, die man nie vergisst. Andere kehren an einem Punkt des Lebens zurück, um genau im richtigen Moment die notwendige Kraft zu geben. Dies ist die Geschichte von Nightingale und dem Erstling „Breathing Shadow“

Wir schreiben das Jahr 1995. Mein 18jähriges Ich spaziert durch die Innenstadt von Dortmund an einem kalten Wintertag. Es ist bereits dunkel und ich habe nicht mehr viel Zeit, um meinen Zug zu bekommen. Deshalb „nur mal eben kurz“ in meinen Stammplattenladen Idiots Records reingehüpft, um noch mal kurz ein wenig zu Plaudern und in den CD-Regalen stöbern. Nach wenigem Wühlen erregt ein Cover meine Aufmerksamkeit; drei rote Totenköpfe und ein verschnörkelter Schriftzug? Sieht stark nach Gothic Metal aus und könnte definitiv etwas für mich sein. Aus Neugierde aus dem Regal gezogen und zur Theke gebracht, um mal reinzuhören. Tückisch schleicht sich die Gitarre an das Ohr heran, ehe das Riff sich direkt ins Gehirn schießt und in meinem Kopf eine epische Landschaft explodieren lässt. Die Gänsehaut kommt sofort und bereits nach wenigen Sekunden spüre ich, dass ich hier eine ganz besondere Scheibe in den Händen halte. Aus Gewohnheit lese ich mir im Booklet die Infos durch, in der Hoffnung, dass mein Lieblingsmusiker Dan Swanö vielleicht bei der Produktion mitgewirkt hat (zur damaligen Zeit habe ich jede noch so kleine Produktion und jedes Bandprojekt von Dan Swanö fanatisch gesammelt und geliebt). Beinahe fällt mir das Booklet aus der Hand, als ich erkenne, dass dieses Album von ihm im Alleingang geschrieben, aufgenommen und produziert wurde. Als dann die ersten Gesangslinien von „Nightfall Overture“ über mich hereinbrechen, ist es endgültig um mich geschehen. Ich kannte seine Musk bereits von Edge of Sanity und einigen Side Projekten, aber ein ganzes Album mit seiner cleanen Stimme zu hören war für mich der absolute Hauptgewinn! Ein kurzer Blick auf die Uhr und die Gewissheit, dass ich mich beeilen muss, um den Zug zu bekommen. Ich glaube, ich habe insgesamt nur zwei Minuten in das Album reingehört, ehe ich Hannes meine letzten 15 Mark auf den Tresen warf und wie ein Marathonläufer zum Bahnhof eilte. Den Zug bekam ich gerade noch rechtzeitig und so starrte ich apathisch  auf das Cover und stellte mir vor, welche Großtat Dan Swanö wohl auf diesen CD-Rohling gepresst hatte (damals konnte man noch nicht streamen und brauchte einen CD-Player, um die Musik hören zu können). Zuhause angekommen wurde die „Breathing Shadow“ eingelegt und seitdem ist sie fester Bestandteil meines Lebens. „Nightfall Overture“ kann mich bis heute noch aus dem tiefsten mentalen Loch innerhalb weniger Sekunden rausboxen, während „The Dreamreader“ mir instant gute Laune verschafft. „A Lesson in Evil“ ist quasi der Soundtrack zu meinem Lebensstil; dunkel, melodisch und doch mit einem leichten Augenzwinkern von Humor beschert mir diese Gothic Nummer bis heute ein Dauergrinsen im Gesicht (besonders die Gesangslinie!). Besonders hat mich die Atmosphäre und das Ende der Geschichte mit „An Eye for an Eye“ gepackt, an dessen Ende ich mich damals so sehr erschrocken hatte, dass ich mich fast eingeschissen hätte. Das Album hat mich durch verschiedene Kapitel meines Lebens begleitet; erste Freundin, Stress in der Schule, meine Ausbildung, meine Arbeit und auch beim Gründen einer Familie und im täglichen Familienwahnsinn.

So weit so schön und die Geschichte könnte auserzählt sein. Wäre da nicht jener Moment, in dem das Album mir in allerhöchster Not beigestanden hätte. Wir machen einen Zeitsprung ins Jahr 2025. Mittlerweile bin ich 48 Jahre alt und mit meiner Familie im wohlverdienten Urlaub. Die vergangenen acht Monate waren für uns alle sehr belastend und hatten uns stellenweise über unsere mentale Grenze hinaus gefordert. Umso erfreulicher, dass endlich Ruhe einkehrt und wir unseren Urlaub im Schwarzwald genießen können. Plötzlich klingelt mein Handy und ich sehe mein Patenkind, das mir unter Tränen mitteilt, dass sein Vater gestorben ist. Wir waren 42 Jahre eng befreundet und haben alle Kapitel unseres Lebens gemeinsam erlebt: wir hatten die Schulbank gedrückt, Familien gegründet, gemeinsam Urlaub gemacht und viele Abenteuer erlebt. Der Verlust kam plötzlich und erwischte mich eiskalt. Am Tag der Beerdigung war es mir wichtig einige Worte über ihn zu sagen. Doch was sagt man in einer Situation, in der man selbst komplett am Boden ist? Kurz vor der Beerdigung kam der Postbote, um mir meine Bestellung von Swanömerch zu bringen. Mit dabei: die „Breathing Shadow“ als Remasterte Version. Ich versuchte mich durch die Musik aufs Schreiben der Grabrede zu konzentrieren, aber es gelang mir nicht. Obwohl der Sound des Albums gut war, so verband ich doch zu viele andere Erinnerungen damit. Auf der 2. CD waren alternative Mixe vorhanden und bei der Piano Version von „The Dreamreader“ wurde in mir ein Schalter umgelegt: eine altbekannte Gänsehaut im neuen Gewand überkam mich und der Text floss nur so aus mir heraus. Am Tag der Beerdigung selbst war ich ein völlig zerstörtes Nervenwrack, konnte aber die Worte, die mir wichtig waren, sprechen und mich von meinem Freund verabschieden.

Ich könnte an dieser Stelle meine Freude über die erstmalige Veröffentlichung der „Breathing Shadow“ auf rotem Vinyl beschreiben. Auch könnte ich die neuen Remixe von Gänsehautsongs wie „Nightfall Overture“, „Sleep…“ und „Recovery Opus“ in den Himmel loben. Schließlich beleuchten sie das Album aus einem anderen Blickwinkel und verleihen ihm dadurch noch mehr Intensität und einen tieferen Einblick, in die unterschiedlichen Facetten, die Dan Swanö (scheinbar mühelos) beherrscht. Auch die live Tracks sind eine schöne Ergänzung, während die Demos mich mit ihren Medleys und der alternativen Version von „A Lesson in Evil“ sehr glücklich gemacht haben. Objektiv betrachtet bietet das Album ein episches Update zu einem meiner Lieblingsalben, die Dan Swanö 1995 im Alleingang(!) abgeliefert hat. Subjektiv betrachtet hat mich das Album seit seiner Veröffentlichung mein Leben lang begleitet und allein die ersten Sekunden von „Nightfall Overture“ bescheren mir jederzeit eine Gänsehaut. Die Wiederveröffentlichung und die remasterte Version haben mich in einer meiner dunkelsten Stunden meines Lebens gerettet, wofür ich Dan Swanö auf ewig dankbar sein werde. Ich denke, dass genau solche Gefühle, die man mit der Musik verbindet, das ist, was ein Album zu etwas Besonderem macht.

Blind Guardian- “Imaginations from the other Side”

Über meine Liebe zu Blind Guardian zu Schreiben ist ungefähr so, als würde man jemandem sagen, er dürfte in seiner Lieblingskneipe nur ein Bier trinken und nur ein Lied hören. Ich könnte hier viele Geschichten erzählen und noch mehr Seiten füllen, warum die Alben von Blind Guardian Stammgast bei mir sind. Aber hier beschränke ich mich auf eine Anekdote, die mich gleichzeitig quält und glücklich macht.

Vor dem Release des Albums, wurde die Maxi zu „A Past and Future Secret“ veröffentlicht. Für alle, die nicht wissen, was eine Maxi ist (Achtung, der Opa erzählt): es war eine CD, wo der Song in 2 Versionen vorhanden war, zusätzlich der Titelsong des neuen Albums („Imaginations from the other Side“) und die Coverversion von Uriah Heep´s „The Wizard“, die später auch auf dem „Forgotten Tales“ Album gelandet ist. Ich fieberte dem Release des Albums entgegen, und als ich es endlich in den Händen hielt, war ich hin und weg; allein der Titeltrack hat die epische Tragweite eines orchestralen Songwritings mit den knackigen Riffs einer Band gepaart, die in ihren Anfangstagen dem Speed Metal mit vollem Herzblut gehuldigt haben. Diese Blaupause sollte sich auch musikalisch durch das gesamte Album ziehen; so knüppelt man sich in bester Old School Manier durch „I´m alive“, während Hansis Gesang sich gerade in den langsamen Passagen in den Gehörgängen sanft entfaltet. Das balladeske „A Past and Future Secret“ wird nicht umsonst von den Fans bei Konzerten gerne mitgesungen, denn es ist wie ein Leuchtfeuer, das inmitten einer dunklen Welt zur Rast einlädt, wo man Kraft für einen Neubeginn tanken kann. Man möge mir denjenigen zeigen, der den Refrain von „The Script for my Requiem“ hören kann, ohne ihn automatisch mitzusingen. Denn genau das war zu dieser Zeit die große Stärke von Blind Guardian: Songs zu erschaffen, die hart und gleichzeitig episch sind, unter die Hau t gehen und deren Refrain einfach nur süchtig macht. Die Gesangsqualitäten von Hansi haben auf diesem Album merklich zugelegt, was man bei „Mordred´s Song“ sehr gut raushören kann, während man bei „Born in a Mourning Hall“ das Gaspedal durchdrückt, ohne den Blick für herausstechende Hooks zu verlieren. „Bright Eyes“ steigert sich einfach herrlich vom schüchternen Anfang zum grandiosen Song, während „Another Holy War“ in mir unzählige D&D Abende vor meinem inneren Auge vorbeiziehen lässt (natürlich mit epischen Schlachten). Wie könnte man ein Album besser beenden als mit „And the story ends“? Der Rausschmeißer ist charmant und gleichzeitig endgültig und hätten Blind Guardian an diesem Punkt ihrer Karriere aufgehört, so wäre das Album definitiv das Opus Magnum ihrer Karriere geblieben. Das Coverartwork zählt meiner Meinung nach zu den besten, was die Zunft zu bieten hat und so ist es für mich ein rundum perfektes Album geworden.

Ja und was ist jetzt mit meiner Anekdote? Als ich das Album erstmals gehört habe, war ich hin und weg. Dann kam die freudige Nachricht: Blind Guardian gehen auf Tour! Ich hatte sie noch nie live gesehen , weil ich eher menschenscheu bin, aber diese Gelegenheit durfte ich mir nicht entgehen lassen! Also Karte gekauft und die Tage bis zum Konzert gezählt. 2 Wochen vor dem Konzert wurden bei uns in der Schule die Termine für die Abiturklausuren bekannt gegeben. Ich hatte sehr damit zu kämpfen, weil ich in Naturwissenschaften, Mathe und Chemie ein intellektueller Totalausfall war. Und wie es der Zufall (oder das Schicksal?) wollte, so fand meine Prüfung einen Tag nach dem Konzert um 8 Uhr morgens statt! Mir war klar, dass ich mich zwischen Prüfung bzw. Schulabschluss und Konzert entscheiden musste und so wählte ich verantwortungsbewusst, die Schule, während ich mich gleichzeitig sehr dafür hasste. Ich verkaufte meine Karte an meinen besten Kumpel und weinte noch viele Jahre später über diese verpasste Chance. Allerdings hatte das Schicksal Pläne mit uns; mein Kumpel, dem ich die Karte verkaufte, lernte dadurch meinen anderen Kumpel (mit dem ich dort hingefahren wäre) kennen und sie verstanden sich prächtig. Daraus ist eine Freundschaft, eine (sehr kurzweilige) Band und später eine Clique entstanden, die uns durch unsere jungen Erwachsenenjahre lange Zeit begleiten sollte. Auch heute erzählt mir mein Kumpel mit strahlenden Augen und einem breiten Grinsen von dem Konzert, das ich verpasst hatte. Mein Magic Moment sollte jedoch noch bis zum Jahr 2002 auf sich warten lassen, denn da sah ich Blind Guardian zum ersten Mal in der Phillipshalle in Düsseldorf. Sie hatten gerade die „A Night in the Opera“ rausgebracht und die anwesende Meute war bis zum Anschlag motiviert, einen schönen Abend zu haben. Der Gig verlief gut und die Stimmung war aufgeheizt, als der magische Moment kam, den ich mein Leben lang nicht vergessen sollte. „Jetzt haben wir und ihr uns eine Ruhepause verdient“ kam als Ansage von Hansi gefolgt von einigen Pfiffen. „Magic Moments kann man bekanntlich nicht wiederholen. Gebt euch alle Mühe; hier kommt „The Bard´s Song“!“ Alleine bei der Ankündigung war es, als würden alle Dämme brechen und eine unzähmbare Energie die gesamte Halle überrollen. Die ersten Klänge der Akusitkgitarre gingen fast im Klatschen der Fans unter, ehe Hansi mit „Now you all know“ ansetzte. Der Rest wurde fast im Alleingang von der gesamten Halle mit einer Leidenschaft und Innbrunst mitgesungen, dass mir die Erinnerung daran heute noch Freudentränen in die Augen treibt. Mittendrin zu stehen, Teil von etwas Großem zu sein und selbst alle Kraft in den Song zu legen war das Gefühl, das man beschreiben kann. In diesem Moment wurden alle anderen Gesetze außer Kraft gesetzt; keine Gedanken, keine Probleme, keine Unterscheide zwischen den Menschen; ausschließlich die Musik und der Moment, der alle vereint. Genau das ist der magische Moment, an dem Musik verbindet und etwas für seine persönliche Ewigkeit erschaffen wird, das noch viele Jahre lang nachhallen wird. Anscheinend war ich nicht der einzige, dem es so ging, denn nachdem der Song beendet war, entlud sich sämtliche Euphorie auf die Band, die sprachlos auf der Bühne stand und (trotz aller Professionalität) in dem Moment nicht wusste, was sie machen sollte. Hansi setzte mehrfach zur Ansage an, wurde jedoch mit frenetischen „Guardian“ Rufen überschüttet. Insgesamt dürfte das Konzert ca. 15 Minuten unterbrochen worden sein (wie es im Interview von der Bonus Disc der Special Edition von „A Twist in a Myth“ beschrieben wurde), ehe es weiterging. Diesen magischen Moment kann man übrigens auch auf dem Livealbum „Live“ von Blind Guardian hören. Da geht der Song ca. 8 Minuten (inklusive Pubkikumsausraster). Auch die anderen Gassenhauer wurden zelebriert und das Konzert war nicht nur rund, sondern der perfekte Abend, von dem ich heute noch sehr zehre.

Die „Imaginations from the Other Side” erinnert mich deshalb immer daran, dass verpasste Chancen manchmal auch Möglichkeiten sind, bei der das Leben andere Wege geht. Dadurch habe ich eine lebenslange Freundschaft mit meinem besten Kumpel am Start, tonnenweise Erinnerungen an eine schöne Zeit und ein Konzert, von dem ich noch meinen Kindern erzählen werde.

Katatonia- Dance of December Souls

Lange Zeit dachte ich, dass es das (für mich) perfekte Album nicht gibt. Allerdings ist mein 15-Jähriges Ich mit einem Album konfrontiert worden, das mir im Laufe meines Lebens das Gegenteil bewiesen hat. Damals hatte ich in der Schule große Probleme in den Fächern Mathe und Latein. Nachdem ich bereits 2 Nachhilfelehrer verheizt hatte, versuchte ein Dritter sein Glück. Er war selbst Schüler und wollte sich etwas Geld dazu verdienen. Als ich zum ersten Mal bei ihm war, staunte ich über sein großes Zimmer, das er im Keller hatte. Ein Keyboard und eine Gitarre waren ebenfalls da und eine riesige Wand mit CDs. Wir versuchten zu lernen, aber ich war viel zu abgelenkt von seinen Alben und ehe wir uns versahen, lernte ich nicht Mathe oder Latein, sondern viele neue Bands kennen. Es wurde quasi zur Tradition, dass wir uns bei ihm im Keller trafen, quatschten und er mir viele neue Bands vorstellte. Durch ihn habe ich My Dying Bride und Anathema kennen (und lieben) gelernt. Aber auch alternative Bands wie Deine Lakaien und Goethes Erben wurden zelebriert und fleißig zu Biohazard gemosht. Eines abends warf er ein Album in den CD-Schacht mit den Worten „Das könnte dir auch gefallen“. Ein lauter Schrei schallte aus den Boxen, der mich bis ins Mark erschütterte, ehe doomige Drums von einem epischen Gitarrenriff begleitet wurden, das mir innerhalb eines Herzschlags die komplette Gefühlswelt umkrempelte. Wie in Trance lauschte ich jeder Sekunde des Songs, der simpel nachvollziehbar und gleichzeitig unfassbar atmosphärisch war. Die Gitarrenlinie schlängelte sich diabolisch durch meine Gehörgänge, ehe es im Midtempo in den Refrain ging. Eine langsame Passage läutete das Ende ein, das jedoch nur ein melancholisches Intermezzo sein sollte, ehe sich „Without God“ erneut bedrohlich aufbäumte und mich endgültig in seinen Malstrom runterspülte. An diesem Tag war ich Katatonia komplett verfallen und hörte diesen einen Song gefühlte 100-mal, ohne dass er auch nur ansatzweise langweilig wurde. Irgendwann war ich neugierig und begann das komplette Album in einem Rutsch durchzuhören und damit war endgültig klar, welches Album ich mit ins Grab nehmen würde. Packende Riffs, melancholische Intermezzos, garstige Stimme und intensive Atmosphäre; dieses Album hatte alles, wovon ich jemals geträumt hatte, und war obendrein von meinem Lieblingsmusiker Dan Swanö produziert worden! Jede Sekunde der Dezemberseelen ist schlichtweg ein Genuss für mich. Der Opener „Seven Dreaming Souls“ erschallte auch diverse Male im Sprit in Dortmund und lud zum Tanz ein, ehe „Gateways of Bereavement“ sich aus den Boxen entlud und mich eher menschenscheuen Nerd hemmungslos auf der Tanzfläche ausrasten ließ. Auch heute noch spiele ich gerne meine (leicht abgeänderte) Version von „Without God“ auf der Gitarre nach, improvisiere auf der Gitarre zu „Velvet Thorns (of Drynwhil)“ oder tauche in tiefe Gedankenwelten mit „In Silence Enshrined“ hinab. Die Akustikpassage von „Tomb of Insomnia“ ist für mich bis heute eine der besten Momente, die ich jemals mit Musik erleben durfte, während der Rausschmeißer „Dancing December“ sogar ganz schüchtern den Klargesang andeutet, der erst Jahre später zu Katatonias Markenzeichen werden sollte.

Ich durfte einige Male mit Jonas und Anders von Katatonia plaudern und habe sie auch live oft gesehen. Mittlerweile haben sie musikalisch einen Weg eingeschlagen, der mir zu progressiv geworden ist, und den ich zwar schätze, aber bei weitem nicht so sehr liebe, wie die alten scheiben. Auch die Phase ab der „Discouraged Ones“ bis zur „Dead End Kings“ mochte ich sehr, weil Jonas´klare Stimme schlichtweg genial ist. Danach wurde es verschachtelter und schwieriger für mich, oder ich habe mich nicht intensiv genug fallen lassen können. Fakt ist, dass mich die „Dance of December Souls“ in seiner zeitlosen Traumlandschaft festhält, aus der ich niemals freiwillig erwachen möchte. Dies ist eine der wenigen Konstanten in meinem Leben, die mich auf Knopfdruck glücklich machen kann und das ist ein wertvolles Geschenk der Musik, das ich mehr las zu schätzen weiß.

Der Beitrag Alben, die unser Leben verändert haben (Part III) erschien zuerst auf Nordmensch-in-Concerts.

Jeder, der Musik fühlt, kennt es; da ist dieser eine Song, der dich eiskalt erwischt, völlig überraschend eine Gänsehaut beschert und etwas in dir erweckt, von dem du nicht einmal wusstest, dass es das gibt. Du wirst süchtig nach dem Song, hörst das komplette Album und schließt es direkt in dein Herz.
Genau um diese Alben soll es in unserem Special gehen, denn auch wenn wir gemeinsam mit den Alben altern, so bleiben die Erinnerungen daran ewig jung. René , Olivia und Radu erzählen euch Geschichten, welche Alben ihre Welt komplett auf den Kopf gestellt haben. Vorhang auf für unsere persönliche Reise durch das Leben und die Musik.

Unsere Olivia gibt euch heute einen Einblick Backstage von ihren Lieblingsalben:

Gleich vorweg sei gesagt, als die Idee zu dieser kleinen Serie aufkam, war ich zwar direkt Feuer und Flamme und hab zugesagt. Fünf Minuten später saß ich innerlich weinend vor meinem CD-Regal und fragte mich, wie ich mich nur festlegen sollte. Letzten Endes ist es mir gelungen, einige Stücke herauszupicken, die eine ganz besondere Bedeutung für mich haben.

Den Auftakt macht Three Cheers for Sweet Revenge von My Chemical Romance. Als das Album im Juni 2004 erschien, war ich gerade am Ende der 5. Klasse und streckte meine Fühlerchen langsam in Richtung Heavy Music aus. My Chemical Romance waren also streng genommen nicht mein Erstkontakt mit härterer Musik, trotzdem nimmt das Album in meiner persönlichen Sammlung eine ganz besondere Rolle ein: etwa ein Jahr nach Erscheinen schickte mir eine Internetbekanntschaft den Song Helena und ich war von Anfang an so hin und weg, dass ich etwas tat, womit ich meine Mutter Jahre später immer wieder aufzog, wenn sie das Gleiche tat: ich spazierte in den örtlichen CD-Laden und besorgte mir das Album, weil ich genau einen einzigen Song kannte und mochte. Damit brachte Three Cheers For Sweet Revenge gleich mehrere wesentliche Prozesse in Gang, die meine „Karriere“ als Musikliebhaberin anfeuerten:
1. Das Album war die erste CD, die ich mir stolz von meinem eigenen Taschengeld kaufte und damit der Grundstein meiner heutigen Musiksammlung.
2. Daraus entstand außerdem ein reger Kontakt mit dem lokalen Musikdealer. Praktischerweise lag der heimische CD-Laden auf meinem Schulweg und so schlug ich des Öfteren auf dem Nachhauseweg dort auf, ließ mir vom Verkäufer neue Musik empfehlen, die dann nicht selten unterm Weihnachtsbaum landete, weil meine Mutter eine „unheilige Allianz“ mit dem Verkäufer schmiedete und sich mit Expertenwissen über meinen Musikgeschmack versorgen ließ. Und schließlich verbrachte ich sogar meine 2 Wochen Schulpraktikum nicht gelangweilt wie viele andere in irgendeinem Kindergarten, sondern in dem CD-Laden, in dem ich, Helena sei Dank, besagtes My Chemical Romance Album gekauft hatte.
Glücklicherweise hatte die Geschichte ein Happy End. Mir gefiel nicht nur Helena, sondern nach ein bisschen Warmhören auch der Rest der Platte.

Für Nummer 2 muss ich ein bisschen ausholen. Meine Kindheit und Jugend war stark geprägt von finnischem Rock und Metal. Spätestens seit der gemeinsamen Tour von HIM, The Rasmus und Negative hatten finnische Künstler einen festen Platz in meinem Herzen. Das führte aber auch dazu, dass ich mit dem Ende meiner Schulzeit 2011 in eine Art „musikalisches Vakuum“ plumpste, da viele der Bands, mit denen ich aufgewachsen war, sich auflösten oder still und heimlich in die Inaktivität verschwanden. Da ich im Studium auch nicht die grandioseste Socialiserin war, blieb mir ein Umfeld verwehrt, das meinen Musikgeschmack teilte und so kamen auch keine Neuempfehlungen dazu und ich lebte mit so etwa vier bis fünf Bands, die alle Jubeljahre mal ein Album herausbrachten. Bis die Pandemie uns allen in den Hintern trat und der internationale Ausnahmezustand sechs junge Finnen auf die Idee brachte, am Eurovision Song Contest teilzunehmen. Als ich das erste Mal Dark Side von Blind Channel hörte, saß ich feixend vor meinem PC und dachte mir: „Süß. Linkin Park von Wish.“

Linkin Park von Wish rockten sich auf den 6. Platz beim ESC und auf den 1. in meinem Herzen, denn ihre Performance beim ESC überzeugte mich so dermaßen, dass ich danach das gesamte Internet umpflügte, um quasi jedes Bisschen Blind Channel aufzutun, das ich irgendwo finden konnte. Während ich zum ersten Mal Died Enough For You hörte, saß ich dann weinend vor meinem Laptop, weil es sich anfühlte, als hätte ich irgendeinen verloren geglaubten Teil von mir wiederbekommen. Weil vor allem dieser Song eine Gefühlslawine in mir lostrat, ohne die ich heute nicht diesen Text hier schreiben würde, ist Album Nummer 2 Violent Pop von Blind Channel. Denn während wochenlang bei mir zu Hause wortwörtlich NICHTS anderes mehr lief als diese Band, kaufte ich mir Tickets für mehrere Shows der Hypa Hypa Tour von Electric Callboy, um meine neue Obsession dort als Support sehen zu können – was letzten Endes mein Türöffner war zu hunderten weiteren Künstler*innen, die viel zu lange unter meinem Radar geflogen waren, die ich nun auf Konzerten und durch Features nach und nach entdeckte. Dabei legte ich außerdem das verschüttete alte Hobby „Konzertfotografie“ frei und damit schließt sich der Kreis, was Violent Pop mit diesem Text hier zu tun hat, denn ohne Blind Channel hätte ich mich vermutlich nicht bis in die Fotogräben Europas durchgeschlagen und wäre nicht hier bei Nordmensch-in-Concerts gelandet.

(Aber hey, was für ein „wundervoller“ Zufall, dass auch diese finnische Band mittlerweile mehr oder weniger in die Inaktivität verschwunden ist. In der Zwischenzeit sind dafür einige Karteileichen aus meiner Jugend wieder aktiv geworden.)

Ich erwähnte im letzten Absatz Bands, die irgendwie noch da waren und alle Jubeljahre mal ein Album herausbrachten. Eine dieser Bands ist Eluveitie, die ich so etwa 2008 rum von einem Freund empfohlen bekam, der meine Schwäche für Folk Metal wahrgenommen hatte. Folgerichtig müsste jetzt in diesem Text eigentlich Slania oder Spirit stehen, die mich mein Leben lang begleitet und dafür gesorgt haben, dass ich mir eine Tin Whistle gekauft habe, weil ich unbedingt Eluveitie-Songs spielen können wollte. Die beiden sind aber nur honorable Mentions, und mit der Tin Whistle hat es nie geklappt. Stattdessen steht hier ein Album, mit dem ich totale Startschwierigkeiten hatte, das jetzt aber mein Lieblingsalbum von Eluveitie ist: Ategnatos war das zweite Studioalbum, das nach dem Ausstieg von Anna Murphy, Ivo Henzi und Merlin Sutter erschien, und ich war am Anfang absolut gar nicht glücklich – nicht zuletzt weil ich mit der Stimmfarbe von Fabienne Erni erstmal einfach nicht warm wurde. Hier schließt sich wieder einmal ein Kreis, denn daran, dass sich das änderte, sind Blind Channel nicht ganz unschuldig. 2022, als sich die Einschränkungen der Pandemie langsam lockerten, verschlug es mich für den Sommer nach Finnland und dort erstmals zum TUSKA, auf dem neben Blind Channel auch Eluveitie spielten. Obwohl ich zuerst ein bisschen skeptisch war, hibbelte ich mit kindlicher Vorfreude in der Front Row herum. Aus der Show nahm ich ein paar Dinge mit: Einen leichten Tinnitus, Gehörschutzohrenstöpsel, Gitarrenplektren von Jonas Wolf und Rafael Fella und endlos viel Liebe für Fabienne Erni, die ich seitdem bis aufs Blut gegen jeden verteidige, weil diese Frau einfach der absolute Wahnsinn ist. In der Folge gab ich Ategnatos eine neue Chance und ich weiß wirklich nicht, warum es so lange gedauert hat, aber mittlerweile ist das Album mein absolutes Lieblingsalbum von Eluveitie und Deathwalker, Slumber und Worship haben es in meine Entspannungs- und Anti-Angst-Playlists geschafft. Grund dafür sind die wirklich verdammt ikonischen Drehleierparts von Michalina Malisz, welche mir beim Runterkommen helfen, wann immer mich Angst und Nervosität überwältigen. Michalinas Ausstieg bei Eluveitie hat mir zum zweiten Mal mein Herz nachhaltig gebrochen. Glücklicherweise gibt’s ihr eigenes Projekt Lyrre, außerdem jede Menge Drehleier-Playthroughs und nachdem ich 2025 einen Drehleier-Anfängerkurs belegt habe, kann ich einige der Drehleierparts des Albums jetzt zur Beruhigung zu Hause selbst spielen.

Weil es so eine Freude ist, hier kunstvolle Bögen zu schlagen, bleibe ich noch eben beim TUSKA 2022, bei Eluveitie und bei Blind Channel, und deren Schnittmenge, die erst kürzlich ein Album rausgebracht hat, das ich ziemlich schnell in mein Herz geschlossen habe. Nur um wenigstens eine wirklich aktuelle Platte zu erwähnen.
2022 hatte ich bei Eluveitie auf dem TUSKA wie bereits erwähnt einen Front Row Spot. Ich gab ihn im Anschluss auf, um mir Northern Kings auf einer anderen Bühne anzusehen. Nach deren Performance pilgerte ich zurück zur Main Stage für ein bisschen Marktforschung: Lost Society, eine finnische Band, die in ihren frühen Jahren Thrash Metal mit streitbar geistreichen Songtiteln wie Emos are gay spielte, würden im Herbst mit Blind Channel auf Europatour gehen und ich wollte einen Blick auf die Band werfen, die ich im Herbst immerhin drei Mal als Support sehen würde und die unter einigen vorwiegend finnischen Blind Channel Fans extrem gehypet war. Ich blieb weiter hinten in der vorderen Absperrung stehen, postete ein Video vom Circle Pit mit einem wenig geistreichen Kommentar in meiner Instagramstory und checkte nach etwa dreißig Minuten meine Uhr, um herauszufinden, wie lange das Set noch gehen würde. Überzeugt war ich nicht.

Fast forward Herbst 2022: Drei Supportshows für Blind Channel und ihr damals neues Album If The Sky Came Down später hatte mich das Lost Society Fieber gepackt. Das liegt nicht zuletzt daran, dass die Finnen sich immer weiter vom einstigen Thrash Metal wegentwickelt haben in ich-weiß-nicht-genau-welche-Richtung-aber-ich-mag-sie. Während besagte Platte einen wesentlichen Beitrag dazu geleistet hat, dass ich meine Liebe für diese Band doch noch entdeckt habe, möchte ich aber viel lieber ihr dieses Jahr im März erschienenes Album Hell Is A State Of Mind hervorheben. Ich habe es bei Erscheinen zurecht als mein „meist erwartetes Album des Jahres“ bezeichnet, denn bereits Ende 2024 hatte Samy Elbanna auf den Socials der Band angekündigt, dass das kommende Jahr Großes mit sich bringen würde, nur um dann in 2025 ganz frech nur eine einzige Single rauszubringen und ein paar Festivalshows zu spielen und uns auf 2026 zu vertrösten. Hell Is A State Of Mind war die Wartezeit aber mehr als wert und während ich mir gelegentlich ein bisschen die Augen zu Is This What You Wanted ausweine, wird es vermutlich schwer, Kill The Light als Song dieses Jahr noch zu toppen. Lost Society sind für mich nicht nur eine vollkommen unterbewertete Band, sie sind für mich persönlich auch der Inbegriff für „So kann man sich täuschen“. Wer weiß, vielleicht wäre der Funke schon früher übergesprungen, hätte ich meinen Front Row Platz beim TUSKA 2022 nicht geräumt und hätte schon früher einen genaueren Blick auf die Gitarrenfertigkeiten von Samy Elbanna und Arttu Lesonen werfen können.

(Übrigens, als kleiner, den Kreis schließender Funfact am Rande: Eluveitie-Gitarrist Jonas Wolf ist Lost Society Fan.)

Der Beitrag Alben, die unser Leben verändert haben (Part II) erschien zuerst auf Nordmensch-in-Concerts.

Es ist Jubiläumsjahr: Das Vainstream-Festival feiert 20jähriges – und ist ausverkauft! Am 26. und 27. Juni 2026 findet die große Jubiläumsparty Am Hawerkamp im schönen Münster statt. Das Festival, welches erstmals im vergangenen Jahr zum Zweitagesfestival ausgedehnt wurde, bietet zum Geburtstag nicht nur ein vielversprechendes Line-Up, sondern besinnt sich auch in besonderer Art und Weise auf seine Wurzeln: bis 2005 fand mit den Münster Monster Masterships die jährliche Skateboard-Weltmeisterschaft in der Halle Münsterland statt, in deren Rahmen auch die Monster Rocknight als musikalisches Rahmenprogramm stattfand. Aufgrund von ausbleibenden Sponsoren fanden die Münster Monster Masterships 2006 ihr Ende, die Monster Rocknight blieb aber – im Rahmen des neu gegründeten Vainstream-Festes. Zum Jubiläum kehren nun die Münster Monster Masterships zurück und Festivalbesucher*innen haben freien Eintritt zum Skateboard-Event.

Für 175,00 € gibt es 2 Tage Musik und Skateboard-Performances zu sehen. Tagestickets kosten je 125,00 €. Wer noch kein Ticket hat, muss allerdings auf den Zweitmarkt hoffen: Vor wenigen Tagen wurde das Festival ausverkauft gemeldet.

Wichtiger Hinweis für alle Besuchenden: Aufgrund seiner Lage innerhalb der Stadt Münster bietet das Festival keinen eigenen Campingplatz an. Wohnmobil-Camping ist auf dem Parkplatz P5 „Parkellipse“ möglich. Auf der Webseite des Festivals finden sich Informationen zu Campingplätzen in der Münsteraner Umgebung sowie zu Hotels. Die Nutzung des ÖPNVs innerhalb des Teilraumes Münsterland im Westfalentarif ist bei den Zwei-Tages-Tickets inklusive. 

Auf folgende Artists dürft ihr euch am Festivalwochenende freuen (in alphabetischer Reihenfolge):

Agnostic Front – Alkaline Trio – All Time Low – Architects – Attic 109 – Black Veil Brides – Bloodywood – Boundaries – Bury Tomorrow – Death Lens – Deliquent Habits – Dog Eat Dog – Dying Wish – End It – Footballhead – Future Palace – Get The Shot – Grandson – Gridiron – Haywire – Hi! Spencer – Hollywood Undead – I Kill The Prom Queen – Initiate – La Dispute – Lambrini Girls – Landmvrks – Lionheart – Magnolia Park – Massendefekt – Mimi Barks – Nevertel – Pennywise – Pöbel MC – Raum27 – Rise Against – Scene Queen – Set It Off – Shoreline – Siamese – Sleep Theory – Smoke Blow – Social Distortion – Sondaschule – Still Talk – Suicidal Tendencies – The Ataris – The Casualties – The Flatliners – The Menzingers – The Pretty Wild – Thornhill – Thrown – TSS – TX2 – Volatile Ways – Wargasm – Ways Away – We Came As Romans – Whispers 

Außerdem findet am Donnerstag, den 25. Juni die VAINSTREAM Opening Night mit Malevolence, Deathbyromy und Backstabbed statt. Für Festivalbesucher*innen ist der Eintritt frei.

Tickets gibt es an folgenden Vorverkaufsstellen:

• im offiziellen Shop 
• auf Eventim 

Der Beitrag VAINSTREAM 2026 erschien zuerst auf Nordmensch-in-Concerts.

Jeder, der Musik fühlt, kennt es; da ist dieser eine Song, der dich eiskalt erwischt, völlig überraschend eine Gänsehaut beschert und etwas in dir erweckt, von dem du nicht einmal wusstest, dass es das gibt. Du wirst süchtig nach dem Song, hörst das komplette Album und schließt es direkt in dein Herz.
Genau um diese Alben soll es in unserem Special gehen, denn auch wenn wir gemeinsam mit den Alben altern, so bleiben die Erinnerungen daran ewig jung. René, Olivia und Radu erzählen euch Geschichten, welche Alben ihre Welt komplett auf den Kopf gestellt haben. Vorhang auf für unsere persönliche Reise durch das Leben und die Musik.

Den Anfang macht René:

AC/DC- „If You Want Blood You´ve Got It“ 1978

Dieses Live-Album ist die erste wahrgenommene Musik, an die ich mich erinnern kann. Schuld daran ist mein acht Jahre älterer Bruder, mit dem ich mir ein Kinderzimmer teilen musste und der permanent Sachen wie Kiss, Smokie und ganz viel AC/DC hörte. Daher bin ich dem lieben Steffen – den ich als meinen besten Kumpel bezeichnen würde und mit dem ich bis heute gemeinsam Konzerte besuche – zu tiefstem Dank verpflichtet, dass er mir den Weg zu einem ordentlichen Musikgeschmack ebnete. Da wir in der ehemaligen DDR aufgewachsen sind, kursierte das Album zunächst nur als Tape-Kopie, die mein Bruder von einem Klassenkameraden bekommen hatte. Erstaunlicherweise schon kurz nach dem Erscheinen der Original-Scheibe, als Bon Scott noch unter den Lebenden weilte, konnten wir diese rot/schwarze AGFA C-60-Kassette aus dem Westen hoch und runterlaufen lassen. Leider existiert das Tape schon lange nicht mehr, aber ich sehe es mit seiner grünen Beschriftung noch ganz genau vor mir! „If You Want Blood…“ ist mein absolutes Lieblingsalbum aller Zeiten. Noch heute bekomme ich eine meterdicke Gänsehaut, wenn nach Aufsetzen der Nadel das Publikum jubelt und die ersten Akkorde von „Riff Raff“ erklingen. Dieses Gefühl lässt sich absolut nicht in Worte fassen! Außer auf den anderen Platten von AC/DC ist mir keine weitere Aufnahme bekannt, bei der eine Band so arschtight zusammenspielt, wie auf diesem Hammer-Album! Ich kann beim besten Willen keine bestimmte unter den zehn enthaltenen Nummern hervorheben, aber neben dem erwähnten Opener beeindrucken mich vor allem die euphorischen Publikumsreaktionen bei „The Jack“ und „Whole Lotta Rosie“ sowie das mit einem herrlichen Angus-Solo gekrönte „Let There Be Rock“. Von sämtlichen Studioversionen, die ich erst später entdeckte, war ich zunächst ziemlich enttäuscht, weil sie irgendwie nicht an die Power der größtenteils in Glasgow aufgenommenen Liveversionen herankommen. Wenn ich für den Rest meines Lebens nur noch eine einzige Scheibe hören dürfte, würde meine Wahl ohne zu zögern auf diese hier fallen! Das ein Jahr später veröffentlichte „Highway To Hell“ hat für mich allerdings fast den gleichen Stellenwert! AC/DC forever!! Danke, Bruderherz!

ACCEPT – „Restless And Wild“ 1982

Obwohl „Metal Heart“ (1985) meine absolute Lieblingsscheibe der Solinger ist, war „Restless And Wild´“ das erste komplette Album, welches ich von der Band zu Gehör bekam. Nachdem mein Bruder mich schon mit Songs wie „Burning“ oder „I´m A Rebel“ angefixt hatte, gelangte irgendwann eine Kassette mit dem vollständigen „Restless…“-Album in meine Hände. Leider kann ich mich beim besten Willen nicht erinnern, wem sie gehörte. Die beiden Songs „Princess Of The Dawn“ und „Shake Your Heads“ kannte ich bereits aus dem Radio, hatte aber keine Ahnung, von welchem Album sie stammten. Wie sicherlich unzählige andere auch, hatte ich beim Erklingen des „Heidi Heido Heida“-Intros keinen Schimmer, dass mich gleich der schnellste und härteste Song überrollen wird, den ich bis dato zu Gehör bekommen hatte. Ich brauche hier sicherlich niemandem zu erklären, was für ein unglaublicher Abriss „Fast As A Shark“ ist. Immerhin zählt das Stück zu den größten Klassikern der Metal-Geschichte. Der Song wird gemeinsam mit „For Those About To Rock“ von AC/DC und dem bandeigenen „Metal Heart“ für immer der beste Album-Opener aller Zeiten bleiben! Eine ganze Weile war es mir ein völliges Rätsel, was Trommler Stefan Kaufmann da überhaupt anstellt. Mangels Bildmaterial, das damals hinter der scheiß Mauer einfach nicht existierte, hatte ich keinen blassen Schimmer, dass es so etwas wie Doublebass-Drumming gibt und konnte mir absolut keinen Reim darauf machen, wie dieses Trommelfeuerwerk zustande kommt. Aber auch das gedoppelte Gitarrensolo zimmert mir noch heute bei jedem Hören ein breites Grinsen ins Gesicht. Insgesamt gibt es für mich  keinen einzigen schwachen Ton auf diesem nahezu perfekten Album. Vom hymnischen Titelsong über das rockige „Get Ready“ bis hin zum knallharten „Demon´s Night“ oder dem leicht kommerziellen „Don´t Go Stealing My Soul Away“ gibt es ausschließlich Volltreffer. Auch das originale Album-Cover mit den brennenden Flying V´s dürfte eines der bekanntesten Heavy-Metal-Cover sein. Obwohl ich auch großer Fan der aktuellen ACCEPT-Alben bin, könnte ich bei Konzerten gut und gerne auf die Darbietung der „Restless And Wild“-Songs verzichten, die kein anderer als Original-Sänger Udo Dirkschneider singen sollte. Im Prinzip sollte man diese Regel sogar gesetzlich verankern. Drummer Stefan hat mich übrigens mit seinem Stil beeinflusst wie kein anderer. Ich glaube, von alten AC/DC-Sachen abgesehen, habe ich als Heranwachsender keine anderen Songs öfter versucht nachzuspielen, als die von „Restless And Wild“ und dem Nachfolger „Balls To The Wall“ (1983). Vor einigen Jahren durfte ich mich ausgiebig mit meinem Hero, Stefan Kaufmann, über seine Karriere unterhalten und habe dabei etliche Sachen erfahren, die mir sogar als Die-Hard-Fan stellenweise völlig neu waren. Alleine aufgrund dieses Albums hätten ACCEPT einen viel größeren Status in der internationalen Szene verdient!

HELGE SCHNEIDER – „Es gibt Reis, Baby“ 1993

Irgendwann im Jahre 1993 besuchte mich mein Kumpel Steffen C. und hatte das gerade frisch erschienene Original-Tape von „Es gibt Reis, Baby“ dabei, welches ihm der Chef unseres örtlichen Plattenladens „aufgeschwatzt“ hatte. Mit den Worten: „Kennst du den? Das musst du unbedingt hören!“ hielt er mir die Kassette unter die Nase und schob mich förmlich Richtung Anlage. Der Name war mir ein Begriff, ich konnte mich aber nicht entsinnen, schon mal irgendwelche Aufnahmen von ihm gehört zu haben. Das eröffnende Stück fand ich eher albern als lustig, aber was dann an Erzählungen und abgefahrenen Songs folgt, hatte ich in dieser Form bis dato noch nie gehört. Ich kann mich noch erinnern, dass wir das Tape immer wieder stoppen mussten, weil uns die Bäuche vor Lachen weh taten. Das war wirklich eine unfassbare Erfahrung! Wer mit Helge vertraut ist, weiß natürlich, was man geboten bekommt. Einem Neuling jedoch zu erklären, welche Mischung aus intelligentem Quatsch und unglaublich hoher Musikalität hier dargeboten wird, ist aus meiner Sicht unmöglich. Die Kassette lief in den nächsten Wochen in Dauerbetrieb, bis man die Gags bis auf die letzte Silbe mitsprechen konnte. Schnell war auch ein großer Teil des Freundeskreises infiziert. Getoppt wurde das Ganze noch vom meinem ersten Helge-Konzert 1994 in Leipzig. Auch dieses Erlebnis vermag ich nicht in Worte zu fassen! Wer die Gelegenheit hat, den Meister auf einer Bühne sehen zu können, sollte das unbedingt tun. Das damalige Konzert wurde noch in derselben Dreierbesetzung gespielt, die auch auf dem Album zu hören ist. Hardcore nannte sich die Band damals, existiert aber schon lange nicht mehr. Seit damals bin ich absoluter Helge-Fan und habe ihn seither auf fast jeder Tournee gesehen. Leider durfte ich den Meister bisher noch nicht persönlich treffen. Für mich ist er der großartigste Entertainer aller Zeiten! Mein persönliches Helge-Lieblingsalbum ist zwar „Es rappelt im Karton“ (1995), aber mit „Es gibt Reis, Baby“, das im Prinzip keinen Deut schlechter ist, fing für mich alles an. Songs wie „Telefonmann“, „Buttersong“ oder das Titelstück sowie die Erzählungen „Operette für eine kleine Katze (Orang Utan Klaus)“ und „Das alte Reinhold-Helge-Spiel“ sollte jeder Mensch mindestens einmal in seinem Leben gehört haben. Helge for President!

MY INSANITY – „Still Dreams In Violent Areas“ 1999

In der Rubrik „Alben, die mein Leben verändert haben“ muss ich natürlich auch eine Scheibe erwähnen, auf der ich selbst mitgespielt habe. Da kommt am ehesten das My Insanity-Debüt-Album in Frage. Aufgenommen im Sommer 1998 war dies – genau wie für meine damaligen Bandkollegen – mein erster Aufenthalt in einem professionellen Tonstudio. Die Rede ist hier von den berühmten und damals ziemlich angesagten Woodhouse Studios in Hagen. Es wäre utopisch, alle erfolgreichen Scheiben aufzuzählen, die dort entstanden sind. Aber die Beispiele „Passage“ von Samael, „Wildhoney“ von Tiamat, „Nighttime Birds“ von The Gathering oder „Down“ von Sentenced dürften reichen, um zu verdeutlichen, mit welchem Kaliber es man hier zu tun hat. Selbst Rock-Legenden wie Udo Lindenberg – den ich ein Jahr später an gleicher Stelle kennenlernen durfte – und Peter Maffay, waren im Woodhouse zugange. Beim ersten Betreten der heiligen Hallen, in denen u.a. auch die Cover der aufgeführten Beispielalben an den Wänden hingen, machte sich eine große Nervosität breit. Immerhin sollten wir sechs Grünschnäbel aus dem Osten hier ein international konkurrenzfähiges Album zustande bringen. Meiner Meinung nach ist uns das auch gelungen. Die unzähligen positiven Reviews aus aller Welt geben mir da sogar recht. Den Aufbau meines Drumsets sowie den anschließenden Soundcheck unter Aufsicht des Studiobesitzers Siggi Bemm, der damals einen Ruf als „Schleifer“ oder „Antreiber“ hatte, sehe ich noch genau vor mir. Vor den ersten Aufnahmetakes war ich ziemlich aufgeregt. Unser Produzent Xy von der Schweizer Band Samael war aber die Ruhe in Person und brachte mich durch seine fokussierte Art dazu, die elf Stücke in etwas mehr als zwei Tagen aufs Band zu zimmern. Tatsächlich wurde damals noch mit riesigen Bandmaschinen aufgenommen. Ein ständiges Editieren und Geradeziehen der Aufnahmen – wie es heutzutage leider üblich ist – war nicht möglich, sodass ich jeden Song fehlerfrei komplett durchspielen musste. Ein Reinschneiden wurde nur in seltensten Ausnahmefällen durchgeführt. Da musste noch richtig gearbeitet werden! Umso stolzer bin ich aber noch heute auf das Endergebnis! Den nicht mehr ganz zeitgemäßen Drumsound finde ich persönlich immer noch mega-gut. „Lebensverändernd“ ist die Scheibe aber hauptsächlich deshalb, weil ich in diesem Zusammenhang viele tolle Menschen kennenlernen durfte, die ich bis heute zu meinen engen Bekannten und sogar Freunden zählen kann. Da wären als erstes der bereits erwähnte Siggi Bemm und seine Frau Antje, die sich selbst als Fans von My Insanity und der quasi Nachfolgeband Jacob´s Fall bezeichnen. Das macht mich unheimlich stolz! Als Nächstes ist da Produzent Xy, mit dessen Band Samael wir später viele lustige Stunden erleben durften. Weiter geht es mit Waldemar Sorychta, der damals ebenfalls regelmäßig im Woodhouse zugange war und uns bei einigen Gitarrenspuren half. Damals ebenfalls zugegen waren die Jungs von Moonspell, die in einem anderen Aufnahmeraum unter dem Namen Demonarch ein Black Metal-Album fabrizierten. Die gemeinsamen Abende vorm Studiofernseher, an denen wir uns die Spiele der Fußball-WM reinzogen, werde ich niemals vergessen. Kurz nach Veröffentlichung von „Still Dreams…“ gingen wir gemeinsam mit Samael, Grip Inc. und Lacuna Coil auf eine kleine Tournee. Zu letzteren besteht seit damals eine Freundschaft, die mir viel bedeutet. Außerdem konnte ich auf der Tour jeden Tag Zeit mit einem meiner Drum-Idole – nämlich Dave Lombardo, der ja bekanntlich bei Grip Inc. trommelte und sich als völlig sympathischer, bodenständiger Zeitgenosse entpuppte – verbringen. Ich könnte jetzt noch tausend weitere Sachen aus dieser Zeit aufführen, aber das würde wohl den Rahmen sprengen. Wer das Album nicht kennt und auf Gothic-angehauchten Metal steht, sollte auf jeden Fall mal reinhören.

METALLICA – „The $ 5.98 E.P. – Garage Days Re-Revisited“ 1987

Zwar handelt es sich hier nur um eine 5-Song-EP, die aber dafür verantwortlich ist, dass Metallica zusammen mit AC/DC und Accept zu meinen Top-3-Faves gehören. Zwar war mir die Band schon eine ganze Weile vor Erscheinen der EP bekannt, aber so richtig aus den Socken hauten mich „Ride The Lightning“ und „Master Of Puppets“, die ich damals wie üblich als tausendfach kopierte Tapes besaß, komischerweise nicht. Irgendwie fand ich Hetfield´s Stimme für diese Art von Musik damals nicht heavy genug. Da hörte ich mir lieber das raue Gekreische von Accept, Venom oder den frisch entdeckten Kreator an. Kurz nach Release der EP lief diese bereits komplett im DDR-Radio, wo öfter mal komplette Alben zum Mitschneiden gesendet wurden. Beim ersten Hören war mir gar nicht bewusst, dass es sich ausschließlich um Coverversionen handelte, da mir kein einziges der Originallieder bekannt war. Zunächst mal beeindruckte mich der fantastische Drumsound, der wirklich so rüberkommt, als ob man direkt im Proberaum der Herren steht. Das gilt auch für den erstklassigen Klang der Gitarren und des Basses. Den größten Eindruck hinterließ jedoch die rotzige Stimme, die mich vielmehr ansprach, als auf den Longplayern. So richtig kann ich es nicht in Worte fassen, aber die Scheibe hat mich von Anfang an gepackt. Jeder Song ist ein absoluter Ohrwurm, und obwohl die Stücke von völlig unterschiedlichen Interpreten stammen, wirken die fünfundzwanzig Minuten wie aus einem Guss. Ich weiß noch, dass sich auf der A-Seite der 60er ORWO-Kassette (20 Ostmark!) Slayer´s „Reign In Blood“ befand, die aber praktisch keine Chance gegen meine neuen Lieblinge hatte, da ich die B-Seite auf Dauerbetrieb laufen ließ. Seit Ende 1987 bin ich Die-Hard Metallica-Fan und kann mit Ausnahme des „Lulu“-Desasters mit jeder ihrer Scheiben etwas anfangen. Niemals werde ich mein erstes Metallica-Konzert am 19.05.1990 in der Messehalle Hannover vergessen. Da die Währungsunion noch nicht besiegelt war, durften 1000 Fans aus dem Osten Tickets für 60 Ostmark erwerben, die man über die Radiosendung Tendenz Hard bis Heavy bestellen konnte. Im Vorprogramm spielten die Ost-Berliner Mephisto, Warrior Soul, Bonham und Dio. Das alles interessierte mich aber nicht, da ich den ganzen Tag auf meine Helden gewartet habe. Als ich in der ersten Reihe stand und das Intro „Ecstasy Of Gold“ startete, liefen mir dicke Freudentränen die Wangen herunter. Ich konnte es nicht glauben, dass ich gleich meine Lieblingsband live erleben werde! Mit „Creeping Death“ begann dann ein zweieinhalbstündiger Abriss, bei dem mit „Helpless“ und „Last Caress“ auch zwei Songs der EP gespielt wurden. Von Metallica´s eigenen Werken ist „…And Justice For All“ mein Favorit, aber die EP wird immer einen ganz besonderen Platz in meinem Herz einnehmen!

Der Beitrag Alben, die unser Leben verändert haben (Part I) erschien zuerst auf Nordmensch-in-Concerts.

Im März erschien mit Loss das neue Studioalbum der portugiesischen Post Black Metal Sensation Gaerea. In den letzten Monaten stieg die maskierte Band rasant auf. Im Sommer stehen daher neben diversen Festivalauftritten auch einige Headlineshows in Deutschland an, bei denen auch die Songs vom neuen Album präsentiert werden. An folgenden drei Terminen kann man Gaerea diesen Sommer als Headliner sehen:

13.06.26 – München, Technikum
23.06.26 – Köln, Club Volta
25.06.26 – Hamburg, Bahnhof Pauli

Tickets gibt es bei Eventim und allen bekannten Vorverkaufsstellen ab 31,50€ zzgl Gebühren.

Der Beitrag GAEREA gehen auf LOSS World Tour – Deutsche Headlineshows im Sommer erschien zuerst auf Nordmensch-in-Concerts.